Finlandia Hoy News esteve no evento em 15 de outubro de 2026 no Samba Café entrevistando a escritora e jornalista brasileira Aline Lamb, moradora de Oulu.

Na opinião de Adriana Vitorino, escritora amadora e colaboradora do Finlandia Hoy Notícias, o sistema de bem estar social e segurança pública finlandeses pode ser um apoio psicológico importante para escritores estrangeiros.

A seguir entrevista exclusiva feita com a escritora e jornalista Aline Lamb

1. Como tem sido a experiência de ser uma escritora estrangeira na Finlândia e publicar seu primeiro livro infantil em um contexto cultural diferente do Brasil?

Desafiador com certeza. Meus romances são escritos originalmente em inglês, enquanto as pessoas na Finlândia falam e leem principalmente em finlandês, portanto este não é o ambiente mais fácil para um romancista de língua inglesa. Pretendo traduzir meu primeiro romance. The Gnome’s Dirty Little Secret, para o português, mas eu mesmo não tentaria traduzi-lo para o finlandês. Esse seria um projeto para o futuro.

2. Você acredita que aspectos da sociedade finlandesa, como o bem-estar, a segurança e o incentivo à leitura, influenciaram sua decisão ou inspiração para publicar seu primeiro livro infantil? De que forma isso se refletiu no seu trabalho?

Acredito que a Finlândia oferece um excelente apoio aos escritores. Tenho acesso a bibliotecas e a ISBNs gratuitos, por exemplo. No entanto, minha decisão de publicar foi totalmente pessoal. Escrevo há mais de 20 anos e senti que finalmente era o momento de minhas histórias chegarem ao público.

3. Quais foram os maiores desafios e também as principais oportunidades que encontrou ao iniciar sua carreira literária fora do Brasil?

As diferenças linguísticas e culturais são sempre um desafio quando se vive no exterior, e minha trajetória literária não foi exceção. Ao mesmo tempo, a Finlândia me proporcionou oportunidades por meio da estabilidade financeira, da segurança, da alta qualidade de vida e do ambiente natural ao redor, que me traz paz e inspiração.

4. Que diferenças você percebe entre o cenário literário infantil finlandês e o brasileiro? Isso impactou sua forma de escrever ou publicar?

Acredito que, de modo geral, as crianças na Finlândia recebem mais incentivo à leitura e têm maior acesso a bibliotecas do que as crianças no Brasil atualmente. No entanto, crianças são crianças em qualquer lugar do mundo, e escrevi The Gnome’s Dirty Little Secret pensando em todas elas, independentemente de sua nacionalidade. Ao mesmo tempo, acredito que as histórias podem tocar pessoas de todas as idades, por isso espero que pais e outros leitores adultos também encontrem prazer e significado neste livro.

5. Qual é o seu maior sonho ou objetivo para sua carreira como escritora vivendo no exterior?

Meu sonho é ver meus livros nas bibliotecas de todo o mundo, em todos os países e traduzidos para diversos idiomas. Acima de tudo, espero que minhas histórias inspirem as pessoas a viverem vidas melhores e levem alegria a leitores de todas as idades.

6. Como você gostaria que seu livro e sua trajetória fossem percebidos por crianças e famílias tanto na Finlândia quanto em outros países?

Espero que The Gnome’s Dirty Little Secret entretenha e fortaleça não apenas as crianças, mas também seus pais e os leitores adultos em geral. Quero que seja uma história que as famílias possam apreciar juntas, ao mesmo tempo em que ofereça algo significativo para cada leitor, independentemente da idade.

Según Adriana Vitorino, escritora aficionada y colaboradora de Finlandia Hoy, el sistema finlandés de bienestar social y seguridad pública puede representar un importante apoyo psicológico para los escritores extranjeros.

Entrevista exclusiva con la eescritora y periodista Aline Lamb

1. ¿Cómo ha sido la experiencia de ser una escritora extranjera en Finlandia y publicar su primer libro infantil en un contexto cultural diferente al de Brasil?

Sin duda, ha sido un desafío. Mis novelas están escritas originalmente en inglés, mientras que en Finlandia la mayoría de las personas hablan y leen principalmente en finés. Por ello, este no es el entorno más fácil para una novelista de lengua inglesa. Tengo la intención de traducir mi primera novela The Gnome’s Dirty Little Secret, al portugués, pero no intentaría traducirla yo misma al finés. Ese sería un proyecto para el futuro.

2. ¿Cree que aspectos de la sociedad finlandesa, como el bienestar, la seguridad y el fomento de la lectura, influyeron en su decisión o inspiración para publicar su primer libro infantil? ¿De qué manera se reflejó esto en su trabajo?

Creo que Finlandia oferece un excelente apoyo a los escritores. Tengo acceso a bibliotecas y a ISBN gratuitos, por ejemplo. Sin embargo, mi decisión de publicar fue completamente personal. Llevo más de 20 años escribiendo y sentí que finalmente había llegado el momento de que mis historias alcanzaran al público.

3. ¿Cuáles fueron los mayores desafíos y también las principales oportunidades que encontró al iniciar su carrera literaria fuera de Brasil?

Las diferencias lingüísticas y culturales siempre representan un desafío cuando se vive en el extrajero, y mi trayectoria literaria no ha sido una excepción. Al mismo tiempo, Finlandia me ha brindado oportunidades gracias a su estabilidad financiera, seguridad, alta calidad de vida y entorno natural, que me aporta paz e inspiración.

4. ¿Qué diferencias percibe entre el panorama de la literatura infantil en Finlandia y en Brasil? ¿Esto ha impactado su forma de escribir o publicar?

Creo que, en general, los niños en Finlandia reciben más estímulo para la lectura y tienen un mayor acceso a las bibliotecas que los niños en Brasil en la actualidad. Sin embargo, los niños son niños en caulquier parte del mundo, y escribí The Gnome’s Dirty Little Secret pensando en todos ellos, independentemente de su nacionalidad.

Al mismo tiempo, considero que las historias pueden conmover a personas de todas las edades, por lo que espero que los padres y otros lectores adultos también encuentren placer y significado en este libro.

5. ¿Cuál es su mayor sueño u objetivo para su carrera como escritora viviendo en el extranjero?

Misueño es ver mis libros en bibliotecas de todo el mundo, en todos los países y traducidos a diferentes idiomas. Por encima de todo, espero que mis historias inspiren a las personas a vivir vidas mejores y lleven alegría a lectores de todas las edades.

6. ¿Cómo le gustaría que su libro y su trayectoria fueran percibidos por niños y familias tanto en Finlandia como en otros países?

Espero que The Gnome’s Dirty Little Secret entretenga y fortalezca no solo a los niños, sino también a sus padres y a los lectores adultos en general. Quiero que sea una historia que las familias puedan disfrutar juntas, al mismo tiempo que ofrezca algo significativo para cada lector, independientemente de su edad.

El Día de Muertos es una de las tradiciones más queridas de México. Transmitida de generación en generación, combina prácticas ancestrales de los pueblos indígenas con elementos de la tradición católica. En 2008, la UNESCO inscribió las fiestas indígenas dedicadas a los muertos en México en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Una invitación a compartir la memoria

La sala Gilda estaba casi llena de espectadores latinoamericanos. Las risas, los comentarios y las reacciones espontáneas crearon un ambiente cercano.

A los treinta minutos, Rita muere y empiezan los títulos de crédito. ¿Ya está? Algunos espectadores miraron el reloj, sorprendidos. Parece demasiado pronto para terminar. Pero la película vuelve a empezar, obligando a mirar la historia de otra manera.

Rita y Norberto llevan cuarenta años juntos. Su relación está hecha de rutinas y pequeños gestos. Sin embargo, lo que más me hace pensar no es tanto su historia de amor como la necesidad de Rita de ser reconocida como una buena persona ante los ojos de los demás.

La religión está muy presente en la película, pero no solo como una cuestión de fe. También aparece como un sistema de normas, jerarquías y reconocimientos. Rita quiere hacer el bien, pero también quiere que los demás la admiren y que sus buenas acciones sean reconocidas. A su alrededor se repite la misma contradicción: las amigas que ayudan a los demás también critican y juzgan; el sacerdote representa una autoridad ante la que hay que responder, y la santidad parece convertirse en un rango al que se puede aspirar.

La película se ríe de estas contradicciones y de una religiosidad en la que parece importar tanto cumplir las reglas y obtener aprobación como el sentido mismo de hacer el bien.

Las margaritas también me parecen significativas. Cuando Rita las lleva consigo, hay en ella una especie de subidón, una energía que parece acercarla a la felicidad. Es uno de los momentos en los que se la ve más viva, como si la posibilidad de alcanzar aquello que desea le diera una descarga de adrenalina. Pero hay una ironía en todo esto: una vez muerta, parece alcanzar otra forma de felicidad cuando la gente besa su fotografía. Por fin recibe públicamente el reconocimiento que tanto buscaba en vida. ¿Necesitaba ser buena o necesitaba que los demás creyeran que lo era?

Rita está tan ocupada intentando demostrar su bondad que parece no darse cuenta de lo que tiene más cerca. Norberto lleva cuarenta años a su lado y toca la guitarra para ella, pero Rita no parece escuchar de verdad. Al final de la película, la guitarra permanece en el plano mientras Rita abandona el mundo terrenal en ese cuerpo de guitarra. Me parece una imagen muy bonita y triste a la vez: aquello que Norberto le ofrecía y que ella no supo apreciar termina acompañándola en su partida. La guitarra queda ahí, como un recordatorio de todo lo que estaba a su alcance y no llegó a valorar.

Hay una escena, después de la muerte de Rita, que me impresiona especialmente. La pantalla se llena de ráfagas en blanco y negro que se encienden y se apagan al ritmo de una música potentísima. Con cada flash cambia el rostro de Rita o el de Norberto. Sus expresiones transmiten el dolor sin necesidad de palabras. Es una secuencia que se te queda grabada.

También me gustan los pequeños detalles y las metáforas visuales, como los pantalones tendidos que bailan o el mosquito alrededor de la luz. Norberto parece tener una sensibilidad especial para fijarse en esas cosas, mientras Rita persigue algo extraordinario. El santo y el demonio me resultan algo forzados en algunos momentos, aunque aportan humor y refuerzan la sátira religiosa. Hasta para entrar en el cielo parece que hay que cumplir condiciones.

Salí de la película entretenida, con algunas imágenes todavía en la cabeza y una pregunta dando vueltas: ¿cuánto hay de bondad y cuánto de necesidad de aprobación en lo que hacemos?. Y quizá la película nos recuerde que hacer el bien pierde parte de su sentido cuando lo importante deja de ser el otro y pasa a ser la imagen que queremos dar de nosotros mismos.

La narración es sutil pero poderosa: hay datos, hay política, hay historia, hay humor y hay amor. Los diferentes puntos de vista interactúan de manera orgánica develando las múltiples dimensiones del conflicto. Las voces contrapuestas están sobre la mesa para que el espectador arme el puzle por sí mismo.

El paralelo histórico de las papeleras con la historia del Frigorífico ANGLO —símbolo de la presencia del capital extranjero en Fray Bentos y de su posterior declive hasta su cierre en la época de la dictadura militar— es un valor documental agregado que enmarca el conflicto y lo ubica como parte de un sistema regional teñido desde siempre por el colonialismo económico.

Sin duda uno de los puntos fuertes de la película está en los detalles. El ojo detrás de la cámara logra captar con naturalidad expresiones y momentos clave con primeros planos de gestos y miradas que dicen mucho. También hay escenas que parecen no estar relacionadas al conflicto pero sirven para entender la cultura y el carácter de lo colectivo en países como Uruguay y Argentina donde aún en tiempos de lucha, el baile y el fútbol nunca faltan. Y la frutilla del postre es la banda sonora con el gran Gabo Ferro acompañando las escenas.   

Finlandia como sujeto político-económico, aparece más en el imaginario que en lo concreto. Pero está. Y el contraste de cómo vive un empresario finlandés en Fray Bentos y cómo vive el pueblo uruguayo, habla por sí mismo.

Frayland es una película que emociona, enoja, conmueve, incomoda. Y eso es lo mejor que trae el cine latinoamericano cuando cruza el charco y se exhibe de este lado del mundo como estreno nórdico. Sin dudas una excelente elección de esta edición 21º del festival de cine latinoamericano Cinemaissí.

Esta semana regresa Cinemaissí, el clásico encuentro cinematográfico que desde 2005 no ha parado de conectar al público del norte de Europa con el pulso creativo, las historias más profundas y la riqueza cultural de la región latinoamericana.

Fundado con una impronta independiente y comunitaria, el festival nació gracias al impulso conjunto de cineastas, artistas, personas voluntarias e instituciones culturales. Tras más de dos décadas de trayectoria continuada, el festival mantiene su propósito original: ampliar la difusión de la cinematografía latinoamericana y ofrecer un espacio de exhibición para voces autorales, formas narrativas experimentales y relatos que abordan temas políticos, sociales y culturales complejos.

La cita principal para esta vigésimo primera edición se llevará a cabo del 14 al 18 de octubre de 2026, pero los motores ya empezaron a calentar con fuerza el sábado pasado 10 con un exitoso pre-festival. La jornada inaugural incluyó un maratón de cine con entrada libre en The Train Factory con títulos como Amucha, Reinas, Bajudh, Soñar Robots, Chuva é Cantoria na Aldeia dos Mortos, La Suprema y Choibá. Seguido por una vibrante noche de micrófono abierto y videopoesía en Kino Konepaja, organizada junto a Helsinki Poetry Connection, la asociación Catalysti y The Poetic Phonotheque.

Bajo el eje curatorial Continents, propuesto por su director artístico Daniel Malpikka, esta edición toma como punto de partida una poderosa metáfora inspirada en la Oda al Maíz de Pablo Neruda y en el viaje histórico del grano a través de las fronteras. Al igual que el maíz viajó conectando territorios y tradiciones, las películas operan como vehículos vivos que cruzan lenguas, memorias, ecologías e identidades. El programa entrelaza diálogos en una docena de idiomas (desde español, portugués y aymara hasta plautdietsch o farsi) y conecta a maestros consagrados como Patricio Guzmán, Pablo Perelman o Carlos Reygadas con potentes voces contemporáneas, demostrando que el cine es un territorio en constante movimiento que desafía las fronteras geopolíticas.

Durante cinco días consecutivos, el festival desplegará una atractiva agenda en múltiples sedes incluyendo espacios como Caisa, Kino Engel, Gilda, Orion, Kino Konepaja y la gran fiesta de cierre en Tähti. Además, el circuito se extiende a otras ciudades del país con funciones en Kino Myyri (Vantaa), Cinema Sheryl (Espoo), Kino Laika (Karkkila) y Cinema Studio (Oulu). Es la oportunidad ideal para reunirse, compartir en comunidad, disfrutar de charlas especiales como los conversatorios con directores e invitados especiales tras las funciones, y dejarse llevar por el encanto de la cinematografía independiente. Asique ya puedes asegurar tu lugar en las funciones y consultar la grilla completa de horarios y sedes a través del sitio web oficial de Cinemaissí.

Diseña tu propio recorrido cinematográfico y súmate a esta invitación imperdible para celebrar la cultura y vivir el mejor cine latinoamericano en el corazón de Finlandia. ¡Nos vemos en las pantallas!

Kolibrí Festivaali 2026 arranca en Finlandia con el lema ¡Qué Viva la Comunidad!

El emblemático festival cultural para familias regresa a Helsinki, Espoo y Vantaa del 29 de agosto al 26 de septiembre con actividades gratuitas.

El reconocido evento cultural para la infancia y sus familias, Kolibrí Festivaali , celebra su 15ª edición bajo el lema conceptual «Comunidad Viva – ¡Que Viva la Comunidad!» . Con una oferta accesible y diversa, la fiesta intercultural toma como escenarios principales bibliotecas y centros culturales en Helsinki, Espoo y Vantaa.

Quince ediciones de Kolibrí y diez años de Ninho representan una comunidad construida con amor. La cultura no es el privilegio de unos pocos; pertenece a cada niño y a cada familia ya cada idioma» , destaca
Laura Gazzotti , directora artística del festival.

La programación se extiende a lo largo de varias semanas, combinando conciertos, talleres de artes visuales, danza, literatura y espacios de relajación diseñados para integrar a comunidades de diversos orígenes e idiomas.

Lo mas destacado de la programación

• Inauguración y conciertos: Presentaciones multiculturales y talleres de música participativa como Trio Mandeng, Tataki y la experiencia Loica: Sing the Way .
• Invitado de honor: La presencia del galardonado autor e ilustrador brasileño Roger Mello, quien encabeza talleres creativos, conferencias en la Universidad de Helsinki y sesiones de firma de libros.
• Feria del Libro Infantil y Cuentos: Espacios dedicados a la lectura en múltiples idiomas como español, portugués, persa, italiano y catalán.
• Espacios de inclusión: El festival integra en cada sede un Rincón de la tranquilidad para el descanso sensorial y un Rincón de la comida para compartir en familia.

Entrada gratuita. Participan 34 artistas de 21 países en más de 15 idiomas..

Más información y programa completo: Consulta la web oficial en
kolibrifestivaali.org

Flow Festival 2026: dos jornadas de pop, electrónica, punk, moda y gastronomía en Suvilahti

El Flow Festival volvió a ocupar el paisaje industrial de Suvilahti con una programación que durante sus dos primeras jornadas combinó grandes conciertos, música electrónica, punk, moda, gastronomía y conversaciones sobre tecnología y cultura. El viernes y el sábado reunieron a decenas de miles de personas en Helsinki y mostraron una de las caras más eclécticas del festival finlandés.

La jornada inaugural del viernes comenzó con entradas agotadas y 32.000 asistentes. Entre los nombres más destacados estuvo Zara Larsson, que llevó al escenario principal un espectáculo de pop de gran formato, apoyado en una interpretación vocal contundente y una estética visual pensada para convertir el concierto en uno de los grandes momentos de la noche.

La electrónica encontró uno de sus principales puntos de encuentro en el Silver Arena. Allí, Disclosure hizo bailar al público con una sucesión de temas reconocibles y una producción construida para un espacio multitudinario. En el mismo recinto, la francesa Oklou optó por una propuesta completamente diferente: voces delicadas, atmósferas envolventes y un lenguaje visual más íntimo marcaron su primera actuación en Finlandia.

El Front Yard, instalado junto a la antigua central eléctrica de Hanasaari, se consolidó como uno de los espacios más dinámicos del festival. Kettama y DJ Gigola protagonizaron una de las sesiones más concurridas del viernes bajo una instalación artística creada por Ausgang Studio, integrando música, arquitectura industrial y arte contemporáneo en una misma experiencia.

Flow incorporó además la moda de una forma especialmente visible. Una performance comisariada por MASTERMINTTU presentó las creaciones del diseñador emergente kboy y trasladó la pasarela al entorno industrial del festival. La propuesta reforzó una tendencia ya habitual en Suvilahti: la ropa del propio público forma parte del lenguaje estético del evento, donde la moda funciona también como herramienta de expresión personal.

El sábado cambió radicalmente de registro con la llegada de Turnstile, una de las bandas más influyentes de la nueva generación del punk y el hardcore estadounidense. Su actuación en el escenario principal fue explosiva, física y participativa: el público respondió con saltos, pogos y una energía colectiva que convirtió el concierto en uno de los episodios más intensos del fin de semana. La banda demostró cómo el hardcore puede ocupar un gran escenario sin perder la crudeza ni la cercanía que definen al género.

En un registro completamente distinto, Florence + The Machine ofreció uno de los conciertos más emotivos de la jornada. Florence Welch combinó teatralidad, una poderosa presencia escénica y momentos de gran intensidad vocal, creando una atmósfera que contrastó con la descarga punk que había vivido el público horas antes.

Uno de los momentos más singulares de la tarde llegó con Arthur Verocai. El compositor y director brasileño actuó acompañado por los 27 músicos de la orquesta AUKSO, creando un contraste poco habitual dentro de un gran festival de música popular. Bajo la luz de la tarde de Helsinki, sus arreglos orquestales aportaron una dimensión sofisticada y cinematográfica a la programación.

La escena finlandesa tuvo su representación en OLGA, una de las figuras actuales del pop nacional, que presentó un espectáculo concebido a escala de grandes recintos. Su actuación confirmó la presencia creciente de artistas locales capaces de compartir espacio en el programa con figuras internacionales de primer nivel.

La noche dejó además espacio para distintas vertientes de la música de baile. Honey Dijon reunió a una multitud con una sesión de house en Front Yard, mientras Todd Terje recorrió varios estilos en Heineken Backyard. Nu Genea, por su parte, llevó al Silver Arena su mezcla de ritmos mediterráneos y grooves contagiosos, en una actuación que convirtió el espacio en una pista de baile.

Más allá de la música, la gastronomía tuvo un papel protagonista. Más de 40 restaurantes participaron en la oferta culinaria del festival, con propuestas que iban desde cocina más elaborada hasta formatos de street food. El restaurante Vintero fue elegido ganador del concurso Sustainable Food gracias a una propuesta valorada tanto por criterios de sostenibilidad como por una degustación del jurado.

El programa Flow Talks añadió otra dimensión al fin de semana. En Tiivistämö se organizaron conversaciones sobre inclusión, inteligencia artificial y diseño, mientras el formato periodístico Musta laatikko, producido por Helsingin Sanomat, abordó cuestiones relacionadas con la ciencia, la tecnología y la situación cultural de Estados Unidos.

Con pop, electrónica, punk, gastronomía, moda y debate público conviviendo dentro del mismo recinto, las dos primeras jornadas de Flow Festival demostraron que su identidad sigue construyéndose mucho más allá de los escenarios principales.

Por Adriana Posso Rodríguez

El recorrido por la ciudad junto al maestro Antonio García-Aguilar me permitió comprender, más allá del escenario, las razones que hacen del Octeto del Conservatorio de Celaya un ensamble de excelencia y uno de los proyectos que proyectan con orgullo el trabajo musical de esta institución mexicana.

¿Quiénes son sus integrantes y cómo se define este proyecto musical?

Marisol Núñez e Ivette Ramírez, sopranos; Jharetty Guerrero y Stephanie García, altos; Miguel Yáñez y Eduardo Fuentes, tenores; Efraín Felipe, bajo, y Antonio García-Aguilar, director y bajo, conforman la agrupación.

El maestro García-Aguilar explica que el ensamble puede articularse en cuatro o seis voces y que, dentro de esa construcción, cada integrante desarrolla líneas diferentes. Esa particularidad permite entender parte de la riqueza sonora que ofrece el Octeto.

El público finlandés disfrutó de ocho voces académicamente formadas que construyen una arquitectura vocal capaz de presentar, mediante sus arreglos, los diferentes colores de la música mexicana. Escucharlos permite advertir una de las mayores virtudes del proyecto: convertir la tradición musical de México en lenguaje de concierto sin despojarla de su vitalidad popular.

Precisión, armonía y sensibilidad se conjugan en una interpretación apasionada y una cuidada puesta en escena. Pero no se trata solamente de cantar bien. Las voces dialogan, se entrelazan y asumen diferentes protagonismos, mientras el movimiento y el vestuario prolongan visualmente aquello que comienza con la música.

¿Cómo nació el Octeto de Celaya?

La iniciativa nació hace cuatro años por impulso de Aurora Cárdenas Ávila, directora general del Conservatorio de Música y Artes de Celaya. Su visión fue crear agrupaciones de pequeño formato capaces de llevar más allá de las fronteras mexicanas las canciones y expresiones de su folclore.

Desde entonces, el Octeto ha experimentado una interesante evolución. Si en sus comienzos la propuesta se concentraba fundamentalmente en las voces, hoy el concepto incorpora canto, vestuario y movimiento folclórico, elementos que enriquecen la experiencia escénica sin desplazar el protagonismo musical.

Darse a conocer en diferentes países podría parecer un enorme desafío. Sin embargo, sus integrantes han descubierto durante sus recorridos internacionales un marcado interés por acercarse a la cultura mexicana. La fundadora y su equipo han sabido aprovechar esa receptividad y desarrollar, con el apoyo de las representaciones diplomáticas de México, oportunidades para llevar el proyecto a nuevos escenarios.

¿Qué experiencia ofrecieron los artistas al público finlandés?

El concierto estuvo dedicado al folclore mexicano, adaptado a un formato a cappella: no hay instrumentos acompañantes y son las propias voces las encargadas de construir las armonías, sostener los ritmos y recrear algunos de los colores que habitualmente asociamos con la instrumentación de los diferentes estilos musicales de México.

La primera parte transitó por el son jalisciense, la danza, el corrido revolucionario y la obra de compositores como Manuel M. Ponce. Después del intermedio, el recorrido se desplazó por Oaxaca y Veracruz y llegó a canciones convertidas en referentes de la identidad musical del país: La Llorona, El cascabel, Guadalajara, La Sandunga, Cielito lindo, Canción Mixteca y La Bamba, además de un homenaje a José Alfredo Jiménez.

Del Son de la Negra a La Llorona, de la Canción Mixteca a La Bamba, el programa llevó hasta Helsinki distintas geografías, épocas y sonoridades de México. La formación académica está presente, pero no enfría la música; por el contrario, abre para estas canciones nuevas posibilidades armónicas y expresivas.

Y el escenario no podía ser indiferente a esa experiencia. En la particular acústica de Temppeliaukio, la célebre iglesia excavada en la roca de Helsinki, las voces encontraron una resonancia excepcional. Por momentos, la piedra parecía recibir el sonido y devolverlo al escenario.

Helsinki escuchó y aclamó al Octeto de Celaya.

Tras agradecer la cálida acogida del público finlandés, la agrupación continúa su recorrido europeo hacia Estonia llevando consigo algo más que un repertorio: una manera refinada, vital y profundamente mexicana de contar un país a través de ocho voces.

La Heritage Art Gallery de Helsinki inauguró el pasado 4 de agosto la exposición retrospectiva «The Boreal Horizon», una muestra que invita al público a recorrer más de una década de la producción artística del pintor colombiano Raúl Mejía Moreno. Curada por el propio artista, la exposición reúne una cuidadosa selección de obras que permiten apreciar la evolución de un lenguaje visual profundamente simbólico y expresivo.

Más que una sucesión de cuadros, la muestra propone un recorrido por la trayectoria de un creador que ha construido un universo visual propio, donde la narrativa tiene tanto peso como la pintura. Sus lienzos no se limitan a representar escenas: cuentan historias. Y esa es, quizá, la principal razón para visitar esta exposición.

La retrospectiva, que permanecerá abierta en Helsinki, reúne obras realizadas durante los últimos quince años. La inauguración registró una gran asistencia y permitió a los visitantes descubrir una colección que transita entre escenas costumbristas, paisajes imaginarios y composiciones de carácter surrealista.

Entre las piezas que captan inmediatamente la atención se encuentra «Walking With My Inner Child», donde el artista representa el diálogo permanente entre el ser adulto y ese niño interior que nunca desaparece. Ambos avanzan hacia una ciudad en crecimiento, convertida en metáfora del futuro y de la transformación personal.

En «Love is in the Air», Mejía Moreno presenta una visión del amor que trasciende el tiempo. Una pareja suspendida en el aire permanece rodeada por un paisaje de ensueño, símbolo de un sentimiento que conserva intacta su esencia a pesar del paso de los años.

Otra obra destacada es «The Legacy of True Love», en la que un pintor espera la llegada del amor mientras Alicia desciende desde el cielo rodeada de los personajes de Alicia en el País de las Maravillas. La escena transcurre en un barco imaginario, recurso que convierte el viaje en una metáfora de la esperanza y de los anhelos humanos.

También llama la atención «The Circle of Life», un bodegón donde los rostros expresivos de sus personajes dialogan con pequeños seres distribuidos alrededor de un frutero coronado por cuatro duraznos maduros. La composición invita al espectador a detenerse y descubrir significados que no se revelan en una primera mirada.

Mientras recorren la exposición, los asistentes comparten una copa de vino o una bebida y se dejan conducir hacia el universo creativo de un artista que combina con naturalidad su faceta de pintor, investigador y profesor universitario.

Un pintor que narra con imágenes

En un momento en que buena parte del arte contemporáneo privilegia la abstracción o el concepto por encima del relato, Raúl Mejía Moreno recupera la figura del pintor narrador.

Cada obra funciona como una historia abierta en la que aparecen personajes, animales, jardines, escaleras, barcos, ángeles, árboles y flores que dialogan entre sí mediante símbolos recurrentes.

El espectador no observa únicamente una composición estética; entra en un relato donde cada detalle parece esconder un nuevo significado.

Después de escuchar las explicaciones del artista durante la inauguración, resulta inevitable regresar frente a los cuadros para descubrir elementos que habían pasado inadvertidos. Esa es una de las mayores virtudes de esta retrospectiva: obliga a mirar con calma. Aquí no basta una observación apresurada; cada pintura recompensa una segunda y una tercera contemplación.

El símbolo por encima de la anécdota

La presencia del simbolismo no es casual. Parte de la trayectoria académica de Mejía Moreno ha estado dedicada precisamente al estudio de este lenguaje artístico, una investigación que también desarrolló en torno a la obra de Frida Kahlo.

Sin embargo, sus símbolos nunca resultan inaccesibles: las escaleras evocan el ascenso espiritual; los jardines se convierten en refugios emocionales; las embarcaciones representan el viaje de la existencia; las aves hablan de libertad y la infancia reaparece como memoria, origen e inocencia.

Esa universalidad permite que cada visitante encuentre una lectura distinta sin necesidad de poseer conocimientos especializados. La obra permanece abierta al diálogo y esa capacidad de generar interpretaciones personales constituye uno de sus mayores aciertos.

Una pintura que apuesta por la esperanza

Incluso cuando aborda temas como la herida, la transformación o el conflicto espiritual, el conjunto transmite una sensación de optimismo.

En toda la obra se aprecia que los personajes siempre avanzan; los jardines florecen; las aguas reflejan luz y las aves emprenden el vuelo.

En una época donde buena parte del arte contemporáneo explora el desencanto o la incertidumbre, Mejía Moreno propone una mirada distinta: una pintura que reivindica la posibilidad de la reconciliación, la belleza y la esperanza sin perder profundidad.

Pedagogía y cercanía con el artista

La embajadora de Colombia en Finlandia Ruth Mery Cano Aguillón, estuvo entre las asistentes en la apertura de la exposición, y expresó que la gran fortaleza de esta retrospectiva no reside únicamente en la calidad individual de sus obras, sino en la coherencia de todo el conjunto.

Tras dedicar unas palabras de reconocimiento a su connacional, recorrió la exposición mientras escuchaba las historias y explicaciones detrás de cada obra. Desde su arribo en la sala fomentó un diálogo cercano que convirtió la visita en un momento de amena interacción con el pintor y las personas presentes en la Galería.

Una exposición para volver a mirar

A medida que avanza el recorrido, el visitante descubre que barcos, árboles, jardines, ángeles, horizontes, niños y flores reaparecen una y otra vez, transformados por nuevas historias y nuevos significados. Poco a poco comprende que todas las pinturas pertenecen al mismo universo creativo.

Raúl Mejía Moreno demuestra que la pintura figurativa continúa plenamente vigente cuando está respaldada por una propuesta sólida y una voz propia. Su trabajo combina rigor académico, imaginación simbólica y una extraordinaria capacidad para construir relatos visuales que conectan con públicos muy diversos.

En tiempos dominados por la velocidad de las imágenes, esta exposición recuerda que todavía existen obras capaces de exigir algo poco habitual: detenerse, observar y dejar que la pintura cuente su historia.